Zoe (Yi-Cheng) Lin 的樂享--作曲家、程式寫作、作曲個別課程、樂曲分析

 

一直以來，我都把教學的中心放在高等教育，從未教過高中生以下的學生作曲，因為我總是感覺，自己教過的大學生中，已經遇過令人頭痛的『媽寶』型的了，對於年紀更小的學生，實在有點怕怕。但或許是緣份吧，前陣子有位家長找到我，想為他的國中生的孩子找一位作曲老師，與學生一家人見面相談甚歡後，雙方便決定開始作曲課程了。

這孩子對於基本的和弦聲響 I-IV-V-I 有些概念，大小調也會一些，但是對於和聲理論中的聲部銜接等都還沒有任何基礎，而他學作曲的目的並非要考音樂班，純粹只是想試試看自己適不適合學習作曲。一個對作曲近乎初學的學生，對我來說卻反而是個好消息，這次教學也會是一個相當難得的教學經歷，因為這代表我可以完全自己依照學生需求設計課程，用更靈活的教學方法慢慢教他，我想把這系列教學的經過寫成手札，對我來說是個珍貴的紀錄和反省，或許對其他有興趣學習作曲的學生應該也有些幫助。

其實我一直相當反對傳統的音樂班教學法--即不斷的把音樂理論『塞』進學生的腦袋裡。當我們用死的方式學習音樂，最後我們聆賞到的音樂就會是『死』的！我自己的學習經驗裡，當我學越深，我越發現所有理論都是都是可以靈活運用或改變的，只要我們了解這些音樂理論背後的根植於哲學、文化和聲響，就能自由運用或改變之。因此這是在教學上，我很重視音樂與文化之間的關係，還有人文的思辨養，因為這些才是音樂的根，根紮好了，音樂才學得好！

第一堂課，我問他為什麼有的作品稱為好作品，有的作品就不好？（如果作曲家沒有想過這點，就不知道自己該寫什麼作品了），為什麼世界各地有不同的音樂型態？（地理位置、氣候造成的民族的個性喜好，比方俄國人、非洲地區、中國南方等人們的個性和氣候所造成的音樂差別）。當然，不只是地區，不同時代的文化也不一樣，因此不同時空組合，就有無窮的音樂型態，就代表音樂作品的風格可以很多種，沒有所謂好與不好，就是因著所處的文化的品味而已（這時候就要提到杜象大師的小便斗了！），進而口授ㄧ點基礎的音樂史，也告訴他目前學作曲學的是歐洲十八世紀以後的音樂為主，因著這時的文化品味，所以才要學習他們的理論和作曲技巧，不代表這是唯一的作曲方式，也期許每個作曲家最後能突破這樣的文化品味，而做出有個人獨特性的作品。

講完了音樂史後，就正式進入音樂理論，接著我問他為什麼他學到的和弦都是三度、五度、八度？為了解答，當然就免不了要講述弦的震動和泛音列了，我們還拿了烏克麗麗講解，也講述了三分損益法和純律造成的問題，也提到平均律解決了轉調的問題。

最後我們才講到了調性與調式，而為了讓他重新建立聽覺習慣，我請他從教會調式的旋律開始創作，以擺脫和聲的色彩的影響，純粹感受旋律之美與音程的關係（而非和聲級數的關係）。

一堂課一小時的課，實在很難想像可以講述這麼多東西，可謂天南地北，無所不談了！如果這是在大學的作曲課，可以想像學生已經感覺不知所措（或是眼神渙散），尤其這些觀念可能推翻他們過去學習的習慣（即筆記式的硬塞），但是令我驚訝的是孩子的吸收力真的驚人，從他的對答與眼神和笑容，可以感覺到我說的每一個故事他都有聽進去（有教學經驗的老師一定知道，有聽進去的學生，眼神會不一樣！），我想，或許這是孩童學習的方式與成人最大的不同吧，孩子並不期待任何制式的架構，他們能夠毫無阻礙的順序性的把資訊吸收進去，但是成人會先把資訊組織成架構在吸收進腦袋裡，因此在學習上，成人會偏向『死』的筆記型教學，也因此腦袋可能會越學越『死』（如果之後他無法從應用的經驗把這些知識變活的話）。

過去傳統的老師總是覺得主修學生比副修學生學習力好，更不用說那種不考音樂班音樂系的學興趣的。但在我這幾年的教學經驗，我一直發現，主修學生或許可以維持一定的水準（因為學校規定很嚴格），但是永遠都是副修的學生 surprised me!  無論是聽力也好、創意也好，甚至連過去大班課學習配器法時，甚至還優於主修學生（當然也因為不受限於學校規定，我可以依照他們的步調自由設計課程有關），唯一可惜的是，多半副修學生比較晚入門，等到正要進入精彩的自由創作階段時，就要畢業了！這次的學生，讓我很期待之後的作曲課程。這系列的作曲課，對我來說更是一個興奮的教學冒險，沒有什麼事情比教授自己的專業更愉快的呢！