有93 個環繞揚聲器的『太空艙』
- 9月 07 週四 201714:15
受邀日本東京電機大學教學之旅！
有93 個環繞揚聲器的『太空艙』
- 8月 30 週三 201712:44
德國漢堡 Klingt gut 2017 國際研討會暨巴黎三日遊心得報告
初涉電聲江湖以來，第一次受到國際研討會的邀請，來去德國漢堡參展，順便就安排了一次夢寐以求的巴黎三日遊，一直聽說巴黎治安的問題，行前超緊張，也不敢用智慧型手機（怕被搶），所以還得買旅遊書和地圖出遊。但是巴黎不愧是最美的城市，整座城市充滿雕花，目不暇給。第一天下機就衝凡爾賽宮和回程去盧森堡公園，第二天則是在重點觀光區閒晃，包括羅浮宮、再一路走香榭里舍大道到凱旋門。傍晚再到巴黎鐵塔附近。第三天則是與龐畢度電子音樂研究中心 IRCAM 做進一步的交流，有幸旁聽了內部的演講。在演講中，研究員探討了如何嘗試將多媒體的資訊呈現在樂譜內給樂器演奏家理解，同時也與開發工程師合作，結合 AI 的影像辨識技術，以統計尋找針對影片等多媒體在樂譜上最有效的呈現方式。此外研究中心人員也帶領我參觀內部的研究室，包括環繞音響研究室（本來還想參觀一間全部吸音的聲響室，可惜當日關起來了，殘念！）。聽說 2017 年底，將有 2019 年研究計畫徵件活動，會再將徵件辦法提供與我，歡迎台灣音樂家踴躍投稿。第三日下午本來計畫參觀西提島上的聖母院，可惜還來不及去，就遇到疑似恐攻的封鎖（後來證實是一個帶著榔頭的精神異常男子），煞羽而歸。
到巴黎，親眼見識到一個以人文藝術為立國根本的國家，無論在經濟和科技發展上亦不拙於其他鄰國。在其博物館內，四處可見老師帶領學生，細細訴說著每一個藝術品與歷史，國民在這樣的環境下，看到過去的藝術家藉由其作品支撐著這個國家的經濟，沒有人會質疑音樂藝術作品是『無產值的』，也更會以自身國家的獨特性為榮。甚至在 IRCAM 龐畢度電子音樂研究中心，我們看到音樂家如何領導科技人才，盡情的發想和解決藝術創作中面臨的問題。他們鼓勵文化藝術的研究與探索以及精緻文化的傳統傳承，因為他們相信唯有文化與藝術，帶來的價值才是永恆，而科技僅是浮光掠影的工具，相較於科技製造業等與毛利比拼的產業，他們則選擇以永續經營的方式，發展無形永恆的文化價值，為此，我覺得相當值得台灣學習！
- 3月 13 週五 201512:09
掌握四訣竅，輕鬆成為專業的演奏家 （歡迎分享～）
相信很多人在學習樂器時，常常覺得辛苦勤練，可是不但沒有進步，換來的只是腰酸背疼、職業傷害不斷，這樣的瓶頸，我們該如何突破呢？其實只要掌握以下四訣竅，就能讓你輕鬆許多，進而往專業音樂家之路邁進喔！
傾聽身體的聲音：由於演奏樂器是一種由肌肉與腦袋精密合作的活動，身體會在一連串的練習中，尋求肌肉最穩定的活動狀態。因此，在練琴時，要特別專注身體給你的訊息。慢練，給你的身體多一些時間去摸索，找它找到肌肉最穩定的狀態，當你感覺身體能夠穩固的掌握每一個音的彈奏後，才開始加快速度，如此一來便可避免練琴帶來的職業傷害喔。
多看、多聽、多旅行：音樂是文化的呈現，不同地區就有不同的風格，不同時代也有不同的風格，不同的作曲家也有不同的風格。演奏音樂的目的，就是要把這些多元的文化與想法呈現給聽眾。因此，要多出去旅遊、多觀察不同的文化、多體會你的生活，你的音樂才會有深度，才能感動人心。快走出琴房吧！
用耳朵引導你：在每日每分每秒，盡可能的打開你的耳朵，聽聽看周圍的環境音有沒有什麼變化？當你在牆角說話時，你的聲音與在空曠的房間有沒有不同？盡可能的在任何時候訓練你的耳朵對高低頻的敏感度，有助於你在演奏樂器時找到好的音色。記得，用耳朵引導你練琴，不是用節拍器引導你喔！
睡一個好覺：演奏音樂是一個理性、情感與身體緊密合作的活動。當你依循上述三個訣竅後，別忘了好好睡上ㄧ覺，人在睡覺時會自然的整合腦中與身體的資訊，睡一個好覺絕對勝過 10 個小時的練習喔！
- 7月 05 週四 201212:22
赤壁懷古─與一位準音樂學者的問答 (二)
最近一位在英國攻讀音樂學碩士學位的朋友，對於我的「赤壁懷古」之東西方音樂元素融合風格感到興趣，因而問我幾個問題。我們之間的問答，或許可以供有志做這方面研究的作曲家或音樂家參考。接續上文，一部分的問答如下：
Q: 在作曲時,是希望在既有的西方音樂樂器和形式中加入東方元素,還是希望以這些音樂形式作為媒介以推廣中國傳統樂曲和精神？若這兩個敘述分別沒辦法完整的表達你的理念,請你闡述
Q: 在作曲時,是希望在既有的西方音樂樂器和形式中加入東方元素,還是希望以這些音樂形式作為媒介以推廣中國傳統樂曲和精神？若這兩個敘述分別沒辦法完整的表達你的理念,請你闡述
- 7月 05 週四 201212:09
赤壁懷古─與一位準音樂學者的問答 (一)
最近一位在英國攻讀音樂學碩士學位的朋友，對於我的「赤壁懷古」之東西方音樂元素融合風格感到興趣，因而問我幾個問題。我們之間的問答，或許可以供有志做這方面研究的作曲家或音樂家參考。其中一部分的問答如下：
Q: 當你在作曲時,結合小提琴這西方的聲響和技巧以及中國古典文學的意境,這兩個元素有什麼衝突？你節目單中所提到的中西方音樂結合的『不可行』性？就我個人而言,這衝突也同時代表了機會與創新,在聆聽此曲時,我能同時感受到前衛以及國樂聲響,這對你作曲家而言是代表了中西方的融合,新樂曲形式的產生,還是別的？
Q: 當你在作曲時,結合小提琴這西方的聲響和技巧以及中國古典文學的意境,這兩個元素有什麼衝突？你節目單中所提到的中西方音樂結合的『不可行』性？就我個人而言,這衝突也同時代表了機會與創新,在聆聽此曲時,我能同時感受到前衛以及國樂聲響,這對你作曲家而言是代表了中西方的融合,新樂曲形式的產生,還是別的？
- 7月 04 週三 201215:07
若依的音樂創作理念
過去我曾研究東西音樂結合的可能性約莫六年，但後來發現到這條道路實在是不可行，理由是在於二十世紀的西方音樂本身即是受到東方音樂發展而成的，因此作曲家即使要嘗試在已經是含有東西方元素的風格上再溶入東方音樂素材，只是多此一舉，反而流於本土化與民族主義。
回國後由於接觸到視覺藝術的領域，深深覺得就目前學術界 (國內外亦然) 的作曲方面而言，相較於視覺藝術的理念與形式上的自由，音樂創作的美學觀仍相當保守。就創作手法上，雖然在 1970 年代曾有現代主義的開花，許多作曲家在聲響上尋求可種聲音得來源或是音效，但是就整體創作的架構上，作曲家仍舊是盡可能的讓作品符合傳統的規範，例如：黃金比例的運用 (樂曲的高潮點仍落在樂曲 1/3-3/4 的位置)、動機與動機發展的學理運用、樂章與樂章之間的排序為快-慢-快等等。而就當代音樂的學術制度面而言，過於強調國際創作獎項的取得與授與，無形之中也綁架了二十一世紀創做的多元的可能性，這些學院的獎章授與，使得原本應當呈現多元風格的二十一世紀音樂，反而被局現在某種 "主流風格" 當中，這種主流風格，根據我的觀察，是傾向以 New Complexity 的方式呈現。
我認為音樂的創作在手法上不應侷限於此，而作曲家也不應只以樂曲型式來評論樂曲的好壞，過去的作曲家非常重視樂曲的 "純藝術" 的形式美，總是認為唯有符合某種形式的樂曲才能稱得上是好樂曲，而這也使至今樂曲創作比賽一直以來評論的標準。但我認為在二十一世紀，音樂創作需擺脫形式的束縛，應多強調理念的傳達。藝術之所以是藝術，並非是因為他有某種"絕對的美感" (我們在不同時期的音樂作品中也可以得到這樣的觀念)，而是因為它能透過藝術的形式把任何一種代表時代的理念以精練的形式傳達出去，藝術作品
"精煉的形式" 在資訊氾濫的時代中，絕對不同於每日如流水般的報章雜誌，他能讓觀眾印象深刻，達到省思的作用。因此好的音樂應當是建立在於：1. 是否有令人深刻的思想和理念 2. 為了傳達理念所採用的創作型式是否有效率和適當，只要是有效率和適當的手法。我認為即使樂曲不符合傳統或主流美學的規範，這樣的作品仍應被接受和品嘗，因此對我而言作曲家應該擺脫形式美的束縛，正如達達主義的藝術家杜象所說的：藝術只是一種品味而已。
也因為這樣的理想，我在去年的八月作品發表是以講演的形式演出，我提倡二十世紀視覺藝術的達達主義觀念，期望能藉由達達主義的啓發，在二十一世紀開啟真正自由的音樂藝術創作的大門，就如同其曾經開啟二十世紀多元化的視覺藝術的大門一樣。
回國後由於接觸到視覺藝術的領域，深深覺得就目前學術界 (國內外亦然) 的作曲方面而言，相較於視覺藝術的理念與形式上的自由，音樂創作的美學觀仍相當保守。就創作手法上，雖然在 1970 年代曾有現代主義的開花，許多作曲家在聲響上尋求可種聲音得來源或是音效，但是就整體創作的架構上，作曲家仍舊是盡可能的讓作品符合傳統的規範，例如：黃金比例的運用 (樂曲的高潮點仍落在樂曲 1/3-3/4 的位置)、動機與動機發展的學理運用、樂章與樂章之間的排序為快-慢-快等等。而就當代音樂的學術制度面而言，過於強調國際創作獎項的取得與授與，無形之中也綁架了二十一世紀創做的多元的可能性，這些學院的獎章授與，使得原本應當呈現多元風格的二十一世紀音樂，反而被局現在某種 "主流風格" 當中，這種主流風格，根據我的觀察，是傾向以 New Complexity 的方式呈現。
我認為音樂的創作在手法上不應侷限於此，而作曲家也不應只以樂曲型式來評論樂曲的好壞，過去的作曲家非常重視樂曲的 "純藝術" 的形式美，總是認為唯有符合某種形式的樂曲才能稱得上是好樂曲，而這也使至今樂曲創作比賽一直以來評論的標準。但我認為在二十一世紀，音樂創作需擺脫形式的束縛，應多強調理念的傳達。藝術之所以是藝術，並非是因為他有某種"絕對的美感" (我們在不同時期的音樂作品中也可以得到這樣的觀念)，而是因為它能透過藝術的形式把任何一種代表時代的理念以精練的形式傳達出去，藝術作品
"精煉的形式" 在資訊氾濫的時代中，絕對不同於每日如流水般的報章雜誌，他能讓觀眾印象深刻，達到省思的作用。因此好的音樂應當是建立在於：1. 是否有令人深刻的思想和理念 2. 為了傳達理念所採用的創作型式是否有效率和適當，只要是有效率和適當的手法。我認為即使樂曲不符合傳統或主流美學的規範，這樣的作品仍應被接受和品嘗，因此對我而言作曲家應該擺脫形式美的束縛，正如達達主義的藝術家杜象所說的：藝術只是一種品味而已。
也因為這樣的理想，我在去年的八月作品發表是以講演的形式演出，我提倡二十世紀視覺藝術的達達主義觀念，期望能藉由達達主義的啓發，在二十一世紀開啟真正自由的音樂藝術創作的大門，就如同其曾經開啟二十世紀多元化的視覺藝術的大門一樣。
- 5月 25 週五 201215:28
參加作曲比賽真的是好事嗎？
我一直對當代古典音樂創作的環境感到相當的質疑。現在全世界充滿了作曲比賽，任何公家或私人機構都爭相舉辦作曲比賽，目的當然不只是為了要提攜後進，舉辦比賽的目的還包括了為主辦機構做行銷，為評審們打知名度，如果舉辦得不錯，或是名次是從缺的情況下，還可以為機構賺取一筆報名費。當然作曲比賽的舉辦有他的市場需要，我不便評論它存在與否的必要性，但是我實在懷疑作曲比賽改變了 20 世紀末期到 21 世紀的音樂創作環境，甚至有可能綁架了當代音樂的創意發展的可能性。
作曲比賽的評審當然都是頗具學術聲望的作曲家，許多評審都是學識涵養深厚的，當然也對於一首樂曲是否是堪稱好樂曲都有自己一套的定見。而這些定見主要來自於他們過去在音樂歷史中所熟識的創作學理，以及平日所接觸到的音樂。換句話說，每位評審乃是根據過去所學的歷史和美學觀，而整理出一套評斷樂曲好壞的方式，並用這一套方式來評論投稿的樂曲。可惜的是，從來沒有人發現，他們評論樂曲好壞的方式只根據和適用於過去已發生的舊作品，如果用這套標準來選出比賽優選的作品，那麼也只會找到一首與過去作曲大師使用過的相同手法和美感的創作。而更諷刺的是，投稿的作品如果能符合每位評審心目中的標準方能獲勝的話，我們也可以預期，這樣的作品並不會有任何的創意，而可能只是過去作曲大師們的作品風格的綜合體而已。
由於現在世界各地充滿著這樣評論作品的機制與比賽，學術界也期待一個作曲家必須要具備作曲比賽得獎的經歷，而且是越多越好，演變成作曲比賽和年輕作曲家形成一種共生的市場需求，每位年輕作曲家需要比賽得獎的資歷，而已經具有學術地位的作曲家便與公私立機構提供作曲比賽，形成一套完整的供需市場。甚至，更進一步的，學術界不僅要求新進教師需有作曲得獎的資歷外，也審視老師是否有能力讓學子得獎，於是，老師們鼓勵學生參加自己評分的作曲比賽，如此一來也形成另一種共生的方式。
作曲比賽的評審當然都是頗具學術聲望的作曲家，許多評審都是學識涵養深厚的，當然也對於一首樂曲是否是堪稱好樂曲都有自己一套的定見。而這些定見主要來自於他們過去在音樂歷史中所熟識的創作學理，以及平日所接觸到的音樂。換句話說，每位評審乃是根據過去所學的歷史和美學觀，而整理出一套評斷樂曲好壞的方式，並用這一套方式來評論投稿的樂曲。可惜的是，從來沒有人發現，他們評論樂曲好壞的方式只根據和適用於過去已發生的舊作品，如果用這套標準來選出比賽優選的作品，那麼也只會找到一首與過去作曲大師使用過的相同手法和美感的創作。而更諷刺的是，投稿的作品如果能符合每位評審心目中的標準方能獲勝的話，我們也可以預期，這樣的作品並不會有任何的創意，而可能只是過去作曲大師們的作品風格的綜合體而已。
由於現在世界各地充滿著這樣評論作品的機制與比賽，學術界也期待一個作曲家必須要具備作曲比賽得獎的經歷，而且是越多越好，演變成作曲比賽和年輕作曲家形成一種共生的市場需求，每位年輕作曲家需要比賽得獎的資歷，而已經具有學術地位的作曲家便與公私立機構提供作曲比賽，形成一套完整的供需市場。甚至，更進一步的，學術界不僅要求新進教師需有作曲得獎的資歷外，也審視老師是否有能力讓學子得獎，於是，老師們鼓勵學生參加自己評分的作曲比賽，如此一來也形成另一種共生的方式。
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